Una película de los hermanos Cohen es siempre una garantía de buen cine. Yo me enganché a ellos en "ArizonaBaby" y desde entonces soy coheniano. Me gusta cómo conjugan lo mejor del cine negro con el humor (también negro), cómo lían la madeja en un nudo imposible y luego la deslían con la facilidad con que se desenvuelve un caramelo... Y esa estética que te abduce desde el primer minuto: la nieve manchada de sangre en "Fargo", la peluquería (maravilloso blanco y negro) de "El hombre que nunca estuvo allí", el infinito páramo de matorrales secos y cadáveres en "No es país para viejos", la habitación del Hotel Earle donde BartonFinksufre su falta de inspiración...
"Quemar después de leer" participa también de ese gusto de los Cohen por los guiones "increscendo": una travesura, una gamberrada se acaba convirtiendo, como la pelota de nieve que cae pendiente abajo haciéndose más y más grande, en un embrollo trágico y cómico en el que se ven implicados la CIA y la embajada rusa...
Clooney no está mal, pero el BradPitt y el JohnMalkovich están que se salen. Y eso no es nada: los actores secundarios cumplen perfectamente su papel de caricaturas de personajes extraídos de la América profunda... La FrancesMcDormand, como siempre en las películas de su marido y de su cuñado, superior.
Hemos visto en clase de Ciencia, Tecnología y Sociedad la película “El aceite de la vida” que narra la lucha de unos padres por conseguir una medicina que salve a su hijo de una grave enfermedad degenerativa. El padre, August Odone, economista y la madre, Michaela, lingüista, decidieron que la mejor estrategia para hacer frente a la enfermedad de Lorenzo era aprender todo lo posible sobre ella. Uno de los síntomas era la excesiva acumulación de ácidos grasos de cadena muy larga (AGCML) en la sangre, lo que provoca la destrucción de la mielina (una sustancia que rodea a las células nerviosas y sin cuya presencia éstas son incapaces de transmitir los impulsos nerviosos). Según se va destruyendo la vaina de mielina, el enfermo va perdiendo la capacidad de moverse, hablar, oír, y al final, de respirar. “Si la responsable es una acumulación de ácidos grasos vamos a darle una dieta muy baja en esos compuestos”, pensaron los padres y así lo hicieron… Pero, curiosamente, los AGCML no disminuyeron su nivel en sangre. William Rizzo, un médico investigador interesado en el caso, logró disminuir las concentraciones de AGCML usando ácido oleico en la dieta: el problema no era sólo metabólico, sino también dietético. Probaron con la hermana de Michaela un tratamiento experimental usando aceite de oliva y observaron que disminuían las concentraciones de AGML en sangre sin efectos secundarios. Decidieron entonces pasar a la práctica con su hijo Lorenzo, y su nivel de AGML disminuyó al 50%: Los Odone se plantearon que, si con ácido oleico se disminuía el 50% de los AGML, quizás existiese otro ácido que completase la labor. Buscaron cientos de ácidos y se decantaron por el erúcico, que se extrae de la colza. Nuevamente el conejillo de indias fue la cuñada, a la que en poco más de veinte días le bajó el AGCML a los niveles normales y lo que es más importante, ¡Lorenzo mejoró!. Hoy, décadas después de los hechos que narra la película, Lorenzo sigue vivo pero ya no se puede mover. Los padres de Lorenzo no se rinden. Ya hemos dicho que una vez destruida la mielina no se recupera. El nuevo proyecto en el que están trabajando trata de encontrar la manera de reconstruirla.
LA ENFERMEDAD
La enfermedad retratada en la película se llama ADRENOLEUCODISTROFIA (ALD). Esta enfermedad es debida a la pérdida de la mielina que rodea a las. Aunque hay muchas variantes, los síntomas de la forma de ALD mostrada en la película comienzan a la edad 5 a 12 años y la muerte ocurre dentro de un par de años desde que se manifiesta. Los síntomas (la demencia, pérdida de vista, perdida auditiva, perdida del habla y la capacidad de caminar) se atribuyen a la solubilidad y pérdida de la envoltura del mielina alrededor de las neuronas por una acumulación de los ácidos grasos saturados de cadena muy larga, (VLCSFAs ) en el cuerpo. Sin una envoltura de mielina, las células del nervio no conducen los impulsos nerviosos y las neuronas no conducen el mensaje para que se realice la contracción de los músculos y el paciente no pueda moverse.
¿Hasta qué punto influye la música en el resultado final de una película? En la fase final de la realización de una película, la conocida como postproducción, se toman importantes decisiones que serán las que le den la forma definitiva que todos veremos en la pantalla. Una de las decisiones es si ha de haber música en cada secuencia, y en caso de que la haya, queda en manos del compositor elaborarla, aunque el director siempre tiene la última palabra.
Es frecuente que un director trabaje en varias películas con el mismo compositor. Uno de los compositores favoritos de Alfred Hitchcock fue Bernard Herrmann, que escribió la música de varias de sus mejores películas: Vértigo, Con la muerte en los talones, Psicosis, Marnie la ladrona...
La música de Psicosis es universalmente conocida, en especial la que aparece en el momento culminante, la famosísima escena de la ducha. Es interesante lo que se dice en este vídeo sobre la elaboración de esa secuencia:
Durante la producción de Cortina rasgada, Hitchcock no se mostró satisfecho con el trabajo de Herrmann. La música llegó a ser grabada, pero Hitchcock, finalmente, decidió no utilizarla y contrató a otro compositor, John Addison. Estos son los títulos de crédito con la música que compuso Herrmann, y que finalmente no fue utilizada:
La secuencia más impactante de la película es la de un asesinato. Igual que en Psicosis, en principio Hitchcock no quería música. Herrmann, nuevamente decidió no hacerle caso, compuso la música, y en esta ocasión el director desoyó los consejos del compositor. Este y otros desencuentros fueron los causantes de que Hitchcock le despidiera y contratara a Addison. La música de Hermann, no obstante, está grabada, por lo que podemos comprobar su efecto en el espectador gracias a este vídeo:
La secuencia, finalmente, quedó así:
Bernard Herrmann, además de trabajar con Hitchcock, es el autor de la música de algunas de las películas más memorables de la historia del cine; trabajó con Orson Wells en Ciudadano Kane y El cuarto mandamiento, en los inicios de su carrera, y con Martin Scorsese en Taxi Driver justo antes de morir.
Hace unos días terminé de trabajar con mis alumnos de 1º de ESO el tema de Grecia. Un tiempo de la historia del que “saben” algunas cosas (los conocimientos previos, que decimos los pedagogos), más de las que se creen. Les “suena” lo de las olimpíadas, la mitología, los dioses, algunos héroes, lo de Troya (sobre todo por alguna serie de dibujos animados o por películas), el teorema de Pitágoras... los más “enterados” citan la filosofía (Platón y esos); los que han iniciado ya la “revolución hormonal” preguntan por las costumbres sexuales licenciosas de los griegos, se interesan directamente por la homosexualidad de Alejandro Magno o por qué esculpían esos hermosos cuerpos tan desnudos, que siempre dan para hacer algún chiste verde. Suelo insistirles en que sobre todas esas cosas, que son importantes, está el que nos enseñaran a pensar, a razonar, a buscar explicaciones, a la medida del hombre, a todo lo que nos rodea y a nuestra propia existencia. Algunos creo que me entienden.
Este año, el estudio del tema ha coincidido con la exhibición en los cines de la película “300”, que algunos habían visto, lo que ha venido bien para aclarar que las Guerras Médicas no fueron un conflicto hospitalario. En algún momento estuve tentado de utilizar en clase el poema de Cavafis que viene a continuación. Me faltó valentía: el temor a confundir más que aclarar, a irme por “los cerros de Úbeda”, a salirme del programa...Y me arrepiento. Seguro que, más pronto que tarde, habrían entendido el significado último de la gesta de Leónidas, descubierto que antes o después ellos también tendrán sus Termópilas y que será el momento de demostrar que han aprendido a ser hombres y mujeres.
TERMÓPILAS
Honor a quienes en su vida se han marcado
el defender unas Termópilas.
Sin apartarse nunca del deber;
en todas sus acciones justos y equilibrados,
y, sin embargo, con pena, y con entrañas.
Si ricos, generosos; y aun en lo poco
generosos, si pobres; prestos
a socorrer en tanto pueden;
siempre con la verdad a flor de labios,
sin odiar sin embargo a los que mienten.
Y aun mayor honor les es debido
cuando prevén –y muchos lo prevén-
que surgirá por último un Efialtes
y los persas terminarán pasando
C.P. Cavafis
Que os aproveche.
***
Nota: abusando del espíritu magisterial, para los que no sepan quien es el tal Efialtes, me permito “pegar” sus datos biográficos copiados de la Wiquipedia:
Efialtes de Tesalia (en griego Εφιάλτης) era el hijo de Euridemo de Malis. Traicionó al rey espartanoLeónidas en 480 ad C, ayudando al rey persaJerjes I a encontrar otra ruta alternativa al paso de Termópilas. Esto permitió a los persas derrotar al pequeño bando de defensores espartanos, del cuál solo sobrevivieron dos. Efialtes esperaba ser recompensado por los persas, pero terminó por no obtener nada cuando éstos fueron derrotados en la Batalla de Salamina. Efialtes huyó entonces a Tesalia, con una recompensa pendiendo sobre su cabeza. Según Herodoto, fue muerto aparentemente por otro motivo por Atenades de Traquia, sobre el 479 adC.
La fabulosa novela de Patrick Süskind nos ha llevado hoy al cine. Nuevamente viajamos a Francia y al siglo XVIII. La lectura de la condena a muerte de un asesino en serie frente a la multitud sedienta de venganza nos introduce de lleno en la historia, que nos va a mostrar toda la vida del protagonista, desde su nacimiento hasta el momento de su condena... y algo más.
La película es tenebrosa e inquietante, como su protagonista, que tiene una prodigiosa capacidad para percibir y distinguir todo tipo de olores; este hecho contrasta con otra particularidad: él no tiene olor corporal, lo que le hace resultar extraño y dificulta su relación con los demás. No tiene una vida fácil: su propio nacimiento (narrado con enorme crudeza) es el motivo de la muerte de su madre, lo que le lleva a vivir una dura infancia en un orfanato, y una juventud trabajando prácticamente como esclavo de un curtidor; gracias a este trabajo conoce a un decadente perfumista que le va a proporcionar el laboratorio y las claves para adentrarse en el fascinante mundo de los aromas... y así va trazando su plan: conseguir EL PERFUME. El resto de la película describe cómo lleva a cabo su objetivo...
Contar con un lenguaje audiovisual una historia basada en el sentido del olfato no es tarea fácil: para ello el director utiliza recursos tales como imágenes enormemente sugerentes, a veces repugnantes, a veces atractivas, y un montón de primeros planos de los objetos aromáticos. También la presencia de un narrador ayuda a entender la psicología del personaje y sus intenciones.
Los actores, incluido el protagonista, están bastante bien. Nos ha parecido muy impactante la primera visión que se nos ofrece del protagonista, cuando está en la cárcel, en la que se nos mantienen ocultos deliberadamente sus rasgos faciales, en especial los ojos, que no podemos ver a causa de la propia fisonomía del actor, y porque la iluminación se encarga de subrayar su principal rasgo distintivo, es decir, la nariz. La presencia de Dustin Hoffman, en el papel del perfumista, es muy destacable a pesar de la brevedad de su papel. La ambientación está cuidadísima, también la música, muy misteriosa y, en general, la novela se ha respetado. El final, tal vez, es menos crudo que en la novela. Quizá la película no alcance el mismo nivel que la novela, pero en general nos ha parecido muy entretenida e interesante, aunque es posible que el punto de vista cambie, si no se ha leído la novela. Que nos lo cuenten los que la han visto sin leer, y desde aquí nuestra recomendación para que todos la leáis, que está muy bien.
Titulo: El Perfume: Historia De Un Asesino Titulo Original: Perfume: The Story Of A Murderer Género: Thriller Nacionalidad: Alemania, España, Francia Año: 2005
Director: Tom Tykwer Guion: Andrew Birkin, Bernd Eichinger, Tom Tykwer Reparto: Ben Whishaw, Dustin Hoffman, Alan Rickman, Rachel Hurd Wood, Birgit Minichmayr, Sian Thomas, Sam Douglas, Corinna Harfouch
María Antonieta, de Sofia Coppola, nos cuenta la historia de la que fuera reina de Francia, desde su llegada a la corte de Versalles, como prometida del Delfín (heredero del trono francés), hasta su abandono de la misma con motivo del estallido de la Revolución Francesa, en 1789. Se nos cuenta cómo la joven y bella princesa austríaca es sacada de su ambiente y de qué manera tiene que abrirse camino en la difícil y ceremoniosa corte versallesca. En la película vemos su boda, la difícil relación con su esposo (que no muestra el más mínimo interés por ella), las presiones que recibe por parte de su familia y de la propia corte para tener un heredero y asegurarse el poder, sus intentos de evadirse del sofocante ambiente que la rodea (fiestas, juego, compras sin fin, adicción al dulce, escapadas a la naturaleza)... el nacimiento de sus hijos, la muerte de uno de ellos y los comienzos de la Revolución. Sus años finales, a partir del abandono forzoso de Versalles en 1789, no aparecen en la película, ni su triste final.
La visión que nos ofrece la directora de la película del personaje histórico es muy personal, y un tanto arriesgada. Donde todos esperamos ver una película de época al uso, nos encontramos con la inclusión de música pop, de tal modo que a ratos parece que estamos viendo un video-clip. En lugar de tratar de mostrar la difícil situación política del momento y la influencia que tuvieron la reina y sus excesos en el clima de descontento de la burguesía y el pueblo franceses, se nos ofrece exclusivamente el punto de vista de una joven en busca de su propio placer y de su satisfacción personal.
Nos han gustado especialmente la cuidada ambientación y la fotografía, el vestuario, la peluquería... y la posibilidad de ver en directo pequeñas ráfagas de la vida en Versalles casi casi como si estuviéramos allí: las ceremonias del levantar, de la comida, de la noche de bodas, las fiestas, etc. Los paisajes y los interiores son deslumbrantes, y están muy bien iluminados y fotografiados.
Lo que menos nos ha gustado es que el ritmo es demasiado lento, y que para mostrarnos a una joven frívola y superficial, a la que le vienen grandes el cargo y el momento que le tocan vivir, no hacen falta dos horas de película. Los diálogos son insustanciales (por no hablar del doblaje, ¿se puede ser tan cursi?), y la música se parece demasiado a la que utilizó en su anterior película, Lost in translation. Ver el Tokio actual con un fondo musical así tiene justificación, pero ver el Versalles y el París del XVIII con ese mismo fondo musical resulta, cuanto menos, desconcertante. Es cierto que le da un aire de contemporaneidad al personaje, pero la apuesta es terriblemente arriesgada, y creemos que fallida. A nosotras, menos en la escena de la fiesta de disfraces, la música no nos ha gustado nada.
La interpretación y elección de actores nos ha parecido muy adecuada: la protagonista, además de guapa -como cuentan que era el personaje histórico-, tiene momentos de enorme acierto (por ejemplo nos ha gustado el juego de miradas con su marido, y la secuencia en la que se desmorona tras leer la carta de su madre), y por otro lado el rey-abuelo y su amante, y el resto de personajes de la corte, Luis XVI... todos están bien.
Es resumen, una película interesante, con altibajos, con cosas muy buenas y también muy malas.
Título Original: Marie Antoinette Dirección: Sofia Coppola Guión: Sofia Coppola sobre libro de Antonia Fraser Reparto: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Rip Torn, Judy Davis, Asia Argento, Marianne Faithfull, Aurore Clément, Guillaume Gallienne.
La matanza de Texas está inspirada en una historia real que ocurrió el 20 de agosto de 1973. La historia comienza en un matadero del condado de Travis (Texas); allí, en la casa del matarife, encontraron los restos de 33 personas muertas. El asesino era conocido con el nombre de “cara cuero”, ya que con el rostro de sus victimas se hacia caretas para ocultar su rostro deformado de nacimiento (además, esta joya cuando tenía 12 años se automutilaba). Tal acontecimiento dejó boquiabierto a todo el país y hoy en día se conoce con el nombre de “La matanza de Texas”.
La historia ficticia es relatada por el spuesto único superviviente, Thomas Hewitt (director de esta película), que después de todo este tiempo vuelve a recordar su sangrienta vivencia.
La película comienza contando la infancia de “Cara Cuero”; posteriormente presentan a los jóvenes, protagonistas de las inimaginables torturas que este bicho y su simpática familia les harán. Un ejemplo: en una escena, un joven es torturado, le amputan las piernas y desgarran sus brazos hasta verse los tendones; el fin de fiesta llega cuando "Cara Cuero" desgarra su rostro para hacerse una de sus divertidas caretas; por si esto fuera poco, al morir el chaval es cocinado para toda la familia “caníbal”; un detalle: también les ofrecen un bocadito a los jóvenes que quedan vivos.
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Este filme de Neil Burger, ambientado en la Viena Imperial del siglo XIX, narra la historia del misterioso mago Eisenheim (Edward Norton), que realiza espectáculos de magia en un teatro de la ciudad. Su show es tan increíble y misterioso que el público queda embelesado en cada una de sus actuaciones. En la cima de su éxito, se le conoce como “El Ilusionista”.
Cuando su popularidad llega a oídos del príncipe heredero, Leopold (Rufus Sewell) un hombre envidioso y poderoso, éste decide ir a ver una de sus actuaciones; en realidad Leopold busca desacreditar al mago, desvelando sus trucos… Leopold, acompañado por su prometida, la joven y bella Sophie (Jessica Biel), asiste al espectáculo donde Eisenheim se esfuerza por afinar sus trucos al máximo para realizar una actuación soberbia... Reclama a Sophie para ayudarle en uno de sus números y allí, sobre el escenario, nace el amor... (o, mejor dicho, se reaviva el que ya tuvieron en la niñez). A partir de este momento ambos deciden luchar por sus sentimientos, esquivando las dificultades que plantea Leopold y el policía de la ciudad Uhl (Paul Giamatti), que por órdenes del príncipe, intenta descubrir a toda costa los trucos del joven ilusionista. Eisenheim tendrá que ejecutar el truco más prodigioso de toda su vida por el amor de Sophie. Bajo nuestra opinión, “El Ilusionista” es una película entretenida, llena de misterio, de esas que te retienen en la butaca con los cinco sentidos pendientes de la pantalla para que no se escape ningún detalle. Se la recomendamos a todos aquellos que busquen un rato de entretenimiento. Mejor si vas con un amigo o amiga.
Titulo: El Ilusionista (The Illusionist)
Género: Suspense
Nacionalidad: USA, 2006 Director: Neil Burger Guion: Neil Burger Reparto: Edward Norton, Paul Giamatti,
Esta película trata sobre un corredor de bolsa londinense, muy bueno en su trabajo, con una gran fortuna... Cierto día recibe una carta desde Francia notificándole la muerte de su tío Henry: ahora, además de guapo, triunfador y rico, Russell Crowe será el heredero de la casa de campo y los viñedos provenzales del tio Henry. El urbanita hombre de nogocios no se ve cultivando uvas y decide poner en venta la finca, a la que se dirige para hacer unas fotografías... Allí reavivirá con nostalgia los recuerdos de su infancia... Y entonces viene la chica, claro: una lugareña con quien, a pesar de un comienzo "con mal pie", tendrá una aventura. Para complicar la historia llega una tercera persona: una muchacha que dice ser la hija ilegítima del tío Henry y que, de ser cierto, sería la heredera universal de todos sus bienes. ¿Será esta chica una cazafortunas? ¿Acabará vendimiando Crowe junto a la francesa? Mientras lo averiguais podéis pasar un par de horitas muy entretenidas, disfrutando de una película amable, rodada con maestría en unos parajes idílicos por el prestigioso Ridley Scott.
Un buen año (2006): A Good Year, USA, 106 Min. Director: Ridley Scott Guión: Marc Klein Fotografía: Philippe Le Sourd Música: Marc Streitenfeld Intérpretes: Russell Crowe, Albert Finney,
Hace unos meses leí una novela que me gustó mucho: "El Señor de los Ladrones", de una escritora alemana llamada Cornelia Funke. Quizás os suene su nombre, si os gusta leer, porque también ha escrito otras novelas juveniles famosas. A mi me gustó mucho "Igraín la Valiente", una historia de magia, castillos, caballeros andantes, dragones...
Ahora me he enterado de que "El Señor de los Ladrones" se ha llevado al cine (aunque la han titulado "El Príncipe de los Ladrones"). Estoy deseando que la pongan en Albacete: si es tan buena como el libro, seguro que pasaremos un buen rato viéndola.
